Καθώς αναπολούμε την καλλιτεχνική χρονιά, δεν θα ήταν ωραίο να ξεκινήσουμε με μερικούς πίνακες; Θα θέλατε να επισημάνετε ένα ή δύο από τα σημαντικά πρόσφατα αποκτήματα των μουσείων μας, όπως το Portrait of May (περίπου 1776) του Joshua Reynolds, που εξασφάλισε η Εθνική Πινακοθήκη Πορτρέτων σε συνδυασμό με το Getty στο Λος Άντζελες για 50 εκατομμύρια £;
Στην Εθνική Πινακοθήκη ανήκει πλέον το Πορτρέτο του Τζόζεφ Μπρούμερ (1909) του Henri Rousseau, το οποίο δείχνει τον Ούγγρο έμπορο έργων τέχνης να κάθεται σε μια ψάθινη καρέκλα και να καπνίζει. Η Βασιλική Συλλογή ανακάλυψε ξανά έναν «χαμένο» πίνακα της Susanna and the Elders (1610) της Artemisia Gentileschi – τον πιο μοντέρνο από όλους τους Old Masters για τη στιγμή του MeToo – σε μια μονάδα αποθήκευσης στο Hampton Court. (Αν και από ό,τι γνωρίζω, δεν ήταν συσκευασμένο σε τσάντα Ikea, όπως ο Ανοιξιάτικος Κήπος του Βίνσεντ βαν Γκογκ (1884), που κλάπηκε από ένα ολλανδικό μουσείο το 2020, επέστρεψε φέτος.)
Δεν θα ήταν υπέροχο να σταθούμε στους πιο αξέχαστους σύγχρονους πίνακες, όπως το όραμα του Peter Doig για έναν αλπινιστή με στολή αρλεκίνου που διασχίζει τις Άλπεις, όπως φαίνεται στο Courtauld; Ή την εξαιρετική έκθεση του Μοχάμεντ Σάμι, γεννημένου στο Ιράκ, με έδρα το Λονδίνο, στο Camden Art Center με τους απόκοσμους, ονειρεμένους πίνακές του που παραπέμπουν στη ζωή υπό το καθεστώς του Σαντάμ Χουσεΐν στη Βαγδάτη.
Αλλά η λαμπρή τέχνη δεν μπορεί να αναπληρώσει μια καταστροφική χρονιά για τα πιο πολύτιμα ιδρύματά μας – κυρίως το Βρετανικό Μουσείο, το οποίο υπέστη ένα αυτοτραυματισμό annus horribilis που θα έχει μακροπρόθεσμες συνέπειες. Αυτό το καλοκαίρι αποκαλύφθηκε ότι περίπου 1.500 αντικείμενα είχαν κλαπεί (άλλα 500 κατεστραμμένα) σε 20 χρόνια από το μουσείο, το οποίο ήταν, σύμφωνα με τα λόγια του προέδρου του Τζορτζ Όσμπορν, θύμα μιας «εσωτερικής δουλειάς». (Ένας ανώτερος επιμελητής απολύθηκε νωρίτερα αυτό το έτος· αρνήθηκε ότι έκανε λάθος, σύμφωνα με την οικογένειά του.) Ο διευθυντής Χάρτβιχ Φίσερ αναγκάστηκε να παραιτηθεί λόγω του χειρισμού του θέματος, αλλά μέσα σε μια νύχτα η φήμη του μουσείου ως ασφαλούς αποθήκης για εκατομμύρια θησαυρούς καταστράφηκε. Αυτόν τον μήνα έγινε ακόμη και το θέμα ενός αστείου σε έναν διαδικτυακό διαγωνισμό: «Έχετε ακούσει για τη χριστουγεννιάτικη τούρτα που εκτίθεται στο Βρετανικό Μουσείο;» Ήταν ο Stollen.
Το φιάσκο ενέτεινε τη μακροχρόνια διαμάχη για τα Ελγίνεια Μάρμαρα, η οποία φούντωσε ξανά πρόσφατα όταν ο Ρίσι Σουνάκ ακύρωσε μια συνάντηση της τελευταίας στιγμής με τον Έλληνα πρωθυπουργό αφού προκάλεσε μια επίπληξη για την επιστροφή των γλυπτών του Παρθενώνα σε συνέντευξη στο BBC Πρωτοσέλιδο ενός ελληνικού ταμπλόιντ στον πρωθυπουργό μας: «F— you b——!» Υπήρχε επίσης ανησυχία ότι το υπέροχο αναγνωστήριο με τρούλο παραμένει εκτός ορίων για το κοινό, μια δεκαετία μετά το κλείσιμο.
Όποιος αντικαταστήσει μόνιμα τον Φίσερ θα έχει πολλή δουλειά να κάνει για να εφαρμόσει τις μεταρρυθμίσεις που προτείνει ένας ανεξάρτητος κριτικός αυτή την εβδομάδα και να διαμορφώσει μια σύγχρονη πολιτική αποκατάστασης που δεν αποφεύγει τον 60χρονο νόμο του Βρετανικού Μουσείου. Τον Μάρτιο, το Βατικανό συμφώνησε να επιστρέψει τρία θραύσματα γλυπτικής από τον Παρθενώνα στην Αθήνα. Εάν η νομοθεσία σε αυτή τη χώρα πρέπει να αλλάξει για να γίνει το σωστό και να αντανακλά την κοινή γνώμη, τότε το Κοινοβούλιο πρέπει να την αλλάξει.
Ο επανασχεδιασμός της μόνιμης συλλογής στην Tate Britain, με επικεφαλής τον σκηνοθέτη Alex Farquharson, ήταν, κατά τη γνώμη μου, ένα έντονο παράδειγμα της αδυσώπητης ενσωμάτωσης των έργων τέχνης σε ένα κοινωνικό και πολιτικό και όχι σε ένα αισθητικό πλαίσιο. (Ήταν επίσης περιττό: το τελευταίο rehang ήταν μόλις πριν από μια δεκαετία.)
Σε ορισμένα σημεία η επισήμανση, τόσο αποδοκιμαστική σε όλο το παρελθόν της Βρετανίας, φαινόταν να φέρνει σε απόλυτη αμηχανία τους πίνακες στους οποίους αναφερόταν. Μια εισαγωγή σε μια γκαλερί με τίτλο “Troubled Glamour”, αφιερωμένη στην τέχνη που δημιουργήθηκε μεταξύ 1760 και 1830, φαινόταν να προτείνει ότι “προώθηση[ing] μια αίσθηση αρμονίας, τάξης και κομψότητας» και αγνόησε τις «εντάσεις» που «σπάνια ήταν σαφείς στην τέχνη της περιόδου», πίνακες ζωγραφικής καλλιτεχνών όπως ο Thomas Gainsborough ήταν αδίστακτοι, ακόμη και διττοί. Το ζευγάρι των «γραφικών» πινάκων του George Stubbs, «Reapers» και «Haymakers» (και τα δύο 1785), επικρίθηκαν ως «εξιδανικευμένες εικόνες» που δεν αντιπροσώπευαν τη «σκληρή πραγματικότητα της αγροτικής εργασίας».
Αλλού, το «An English Family at Tea» (περίπου 1720) του Τζόζεφ Βαν Άκεν φαινόταν να συμπεριλήφθηκε μόνο έτσι ώστε μια προειδοποιητική ετικέτα να υπενθυμίζει στους επισκέπτες ότι «το τσάι ήταν ένα πικρό ποτό, γλυκαμένο με ζάχαρη, το οποίο ήταν συνηθισμένο στις βρετανικές αποικίες κατασκευάστηκε στην Καραϊβική με την εργασία των «σκλαβωμένων Αφρικανών».
Τέτοιες μεταφορικές επιθέσεις είναι ακόμη λιγότερο ευπρόσδεκτες όταν τα μουσεία εξακολουθούν να αντιμετωπίζουν σωματικές επιθέσεις στα έργα τέχνης που φροντίζουν: τον περασμένο μήνα, για παράδειγμα, ακτιβιστές για το κλίμα χτύπησαν με σφυρί την Αφροδίτη Rokeby (σχεδόν έναν αιώνα αφότου η σουφραζέτα Mary Richardson πήρε ένα κουπάτ κρέατος). . Καμβάς); Ευτυχώς, ο πίνακας του Ντιέγκο Βελάσκεθ εκτίθεται ξανά στην Εθνική Πινακοθήκη μετά από μικρές ζημιές.
Αυτές τις μέρες, ίσως υπό εσωτερική πίεση από το νεότερο προσωπικό, πολλά μουσεία φαίνεται να πιστεύουν ότι πρέπει να δεσμευτούν στην κοινωνική δικαιοσύνη. Ωστόσο, δεν θα έπρεπε να εξισορροπούν τις ανησυχίες του παρόντος με τη δέσμευση να κατανοήσουν την πολυπλοκότητα του παρελθόντος αντί να κάνουν βιαστικές κρίσεις για αυτές; Όλοι αναγνωρίζουν ότι ο τρόπος που βλέπουμε την τέχνη –και μάλιστα η τέχνη που αντιμετωπίζεται σήμερα– έχει αλλάξει τα τελευταία χρόνια ως απάντηση σε περίπλοκες κοινωνικές δυνάμεις. Όπως μου είπε πρόσφατα η διακεκριμένη Αμερικανίδα επιμελήτρια Helen Molesworth: «Οι δύο πρώτες δεκαετίες του 21ου αιώνα χαρακτηρίστηκαν από ανθρώπους με κριάρια που έλεγαν: «Όχι, δεν το θέλουμε αυτό, απαιτούμε οπωσδήποτε μια κουλτούρα που μπορεί να πάρει κάτι . Σχέση με την ετερογένεια του πληθυσμού στο σύνολό του».
Φυσικά, η τέχνη μπορεί (και πρέπει) να αντικατοπτρίζει τα σύγχρονα γεγονότα: φέτος, ως απάντηση στην πυρκαγιά του Grenfell Tower, παρουσιάστηκαν δύο αντίθετα έργα τέχνης που είναι ταυτόχρονα δυνατά και αξέχαστα. Η 24λεπτη ταινία του Steve McQueen Grenfell χρησιμοποιεί πλάνα που γυρίστηκε από ελικόπτερο πριν καλυφθεί το κατεστραμμένο τετράγωνο του πύργου, κυκλώνοντας το απανθρακωμένο ερείπιο φαινομενικά ατελείωτα και χωρίς διάλειμμα. Εν τω μεταξύ, ο Chris Ofili (ως επί το πλείστον) απέφυγε την πραγματικότητα που τεκμηριώθηκε από τον McQueen. Η πολύ πιο ήπια προσφορά του, μια κολοσσιαία, πολύχρωμη τοιχογραφία που φαινομενικά τοποθετείται σε μια Αρκαδική αυτοκρατορία και εκτείνεται στις τρεις πλευρές της βόρειας σκάλας της Tate Britain, παρείχε άνεση.
Υπάρχει λόγος που το περιοδικό ArtReview όρισε την καλλιτέχνιδα Nan Goldin στην κορυφή της ετήσιας λίστας “Power 100” με τους ανθρώπους με τη μεγαλύτερη επιρροή στον κόσμο της τέχνης. Ο Αμερικανός φωτογράφος – ο οποίος τα τελευταία χρόνια έχει τσακωθεί με μέλη της φιλανθρωπικής οικογένειας Sackler για τον υποτιθέμενο ρόλο τους στην κρίση των οπιοειδών στις ΗΠΑ μέσω της εμπλοκής τους στην Purdue Pharma (έχουν αρνηθεί την αδικοπραγία ή την προσωπική τους ευθύνη) – αντιπροσωπεύει τον καλλιτέχνη που είναι πολύ υιοθετημένος. συγκεκριμένος και μοντέρνος ρόλος: αυτός του ηρωικού κοινωνικού σταυροφόρου που, όπως το θέτει το περιοδικό, «διοχετεύει» «μια κίνηση προς την αλλαγή».
Αλλά για να αποφύγουμε την ομαδική σκέψη στα μουσεία μας, χρειαζόμαστε οραματιστές και ηγέτες με ισχυρή θέληση που έχουν ηθική πυξίδα. Είναι δύσκολο να πούμε αν αυτά είναι τα δυνατά σημεία της νέας έκπληξης της σκηνοθέτιδας της Tate Modern, Karin Hindsbo. Πριν από το ραντεβού της, η Δανή δεν είχε δηλώσει κανέναν με τον οποίο είχα μιλήσει.
Η διακεκριμένη προκάτοχός της, Φράνσις Μόρις, η οποία είναι δύσκολο να ακολουθηθεί, έδωσε μια όμορφη ομιλία σε μια τελετή μνήμης στην Tate Britain αυτό το φθινόπωρο για την καλλιτέχνιδα Phyllida Barlow, η οποία πέθανε τον Μάρτιο και θα μείνει στη μνήμη για τα πλούσια, περίτεχνα συναρμολογημένα γλυπτά της.
Δεν είναι όλες οι βρετανικές γκαλερί σε αταξία. Η συλλογή Burrell της Γλασκώβης ανακηρύχθηκε Μουσείο της Χρονιάς από το Ταμείο Τέχνης (αν και η Glasgow Life, η φιλανθρωπική οργάνωση που τη διαχειρίζεται, μαζί με άλλα μουσεία της πόλης, απαριθμούσε 1.750 αντικείμενα, συμπεριλαμβανομένου ενός γλυπτού 3 εκατομμυρίων λιρών του Ογκίστ Ροντέν, ως «μη εντοπισμένο», δηλ. χαμένο. ). Η National Portrait Gallery άνοιξε ξανά μετά από μια συγκρατημένη, κομψή ανακαίνιση που απέφυγε τον απλό «διδακτισμό». Και μακριά από όλα τα «καυτά» θέματα – όπως η πρόσφατη αναταραχή για ένα μουσείο του Χέρτφορντσάιρ που προσδιορίζει τον Ρωμαίο αυτοκράτορα Elagabalus (204-222 μ.Χ.) ως «τρανς» – υπήρξαν πιο απλές, φιλικές προς το κοινό απολαύσεις. . Στη Royal Scottish Academy στο Εδιμβούργο, μια αναδρομική έκθεση του έργου του Grayson Perry – ο οποίος πλέον συναγωνίζεται τον David Hockney ως ο πιο δημοφιλής εν ζωή καλλιτέχνης της Βρετανίας – ανταποκρίθηκε στον τίτλο του (Smash Hits) και την παρακολούθησαν σχεδόν 100.000 ικανοποιημένοι πελάτες (αν και αυτός ο ανταποκριτής έγινε χλιαρό).
Ωστόσο, ο Χόκνεϊ θα μπορούσε να αποκρούσει τον «νεαρό» (στην πραγματικότητα 63 ετών) υποψήφιο για λίγο. Ο 86χρονος Γιορκσαϊρμαν φάνηκε ακούραστος τη χρονιά που η έκθεσή του «Σχέδιο από τη ζωή» – η οποία προβλήθηκε για λίγο το 2020 προτού η πανδημία αναγκάσει το κλείσιμό της – αναβίωσε από το NPG. Παρουσίασε επίσης μια «εμβυθιστική» αυτοβιογραφική εκπομπή φωτός που έτρεξε για περισσότερους από δέκα μήνες σε έναν νέο τετραώροφο χώρο πίσω από το King’s Cross του Λονδίνου. ενέκρινε μια έκθεση περίπου 120 έργων στο Τόκιο. παρουσίασε ένα βίντεο στο Pyramid Stage, Glastonbury. πρόβαλε ένα ζευγάρι ψηφιακά χριστουγεννιάτικα δέντρα στις καμινάδες του Battersea Power Station. και αποκάλυψε ένα σκιερό πορτρέτο ενός αδύναμου Χάρι Στάιλς που έμοιαζε με κουνάβι, στο οποίο ο Βρετανός τραγουδιστής εμφανίστηκε με ανακατωμένα μαλλιά, μια κόκκινη και κίτρινη ριγέ ζακέτα και ένα σετ πέρλες.
Τα μαργαριτάρια ήταν επίσης σε αφθονία στο Άμστερνταμ, στην έκθεση Vermeer του Rijksmuseum, η οποία συγκέντρωσε 28 πίνακες του Ολλανδού ζωγράφου του 17ου αιώνα -περισσότεροι από κάθε έκθεση πριν- και, όπως ήταν αναμενόμενο, προσέλκυσε 650.000 επισκέπτες. Ευτυχώς, όπως δείχνουν τα νούμερα των επισκεπτών, υπάρχει ακόμα μεγάλο κοινό για τους Old Masters.