«Για μένα, το έργο έχει να κάνει με ερωτήσεις σχετικά με την πολυπλοκότητα του κόσμου που όλοι μοιραζόμαστε», μου είπε ο Καναδός καλλιτέχνης Ντέιβιντ Χαρτ όταν συζητούσε για τη δουλειά που παρουσιάζει φέτος στο Art Basel Miami Beach. «Ο τρόπος με τον οποίο παίρνω μια πολιτική θέση είναι να θέσω μια σειρά από έμμεσες ερωτήσεις που προσπαθώ να ανοίξω με τον ίδιο τρόπο που κάνει ένα πρίσμα για να αναλύσει μια πολύ περίπλοκη κατάσταση στα συστατικά μέρη της, ώστε να κατανοήσουμε καλύτερα πώς λειτουργεί . ”
Σχετίζεται με: “Still a very vibrant media”: Γιορτάζοντας τη ριζοσπαστική ιστορία των zines
Ο Χαρτ μοιράστηκε την άποψή του για τον όρο «τέχνη διαμαρτυρίας», που είναι κάτι σαν θέμα στο Art Basel φέτος. Ίσως περισσότερο από άλλα χρόνια, οι καλλιτέχνες παρουσιάζουν έργα που αφορούν την πολιτική, τις ανησυχίες και τα μακροχρόνια ζητήματα που αφορούν τα ανθρώπινα δικαιώματα. Ενώ μεγάλο μέρος της φετινής τέχνης βασίζεται σε τέτοιες έννοιες, οι καλλιτέχνες ανταποκρίθηκαν διαφορετικά στην ερμηνεία της δουλειάς τους ως πράξη διαμαρτυρίας, εκφράζοντας συχνά δυσφορία που βλέπουν την τέχνη τους ως πολιτική χειρονομία.
Το έργο που έδειξε ο Χαρτ, μια περίτεχνη, μαγευτική ταπετσαρία με τίτλο “The Histories (after Church), xenoformed atmosfer/Rayleigh scattering spectrum shift version,” είναι ένα εντυπωσιακό παράδειγμα του τρόπου με τον οποίο η πολιτική και η ιστορία μπορούν να συνδυαστούν σε ένα κομμάτι, που είναι τελικά εκλεπτυσμένο και απαιτητικό ανοιχτό σε ερμηνείες. Εξετάζοντας τις ιδέες γύρω από τη σκλαβιά, την αποικιοκρατία, τη διαμόρφωση του εδάφους, τα εξωγήινα είδη και τη βιόσφαιρα, οι Ιστορίες είναι ένα έργο που φορά τη μεθυστική πνευματική του γενεαλογία μάλλον χαλαρά.
Το The Histories εμπνέεται εν μέρει από το έργο του Frederic Edwin Church, ενός σημαντικού εκπροσώπου της τοπογραφίας της Σχολής Hudson River και επίσης υποστηρικτής της κατάργησης. Για τον Χαρτ, ο Τσερτς ήταν μια πύλη στους περίπλοκους λόγους γύρω από την ιστορία, την πολιτική και την οικονομία που επιδιώκει να ενσωματώσει στην τέχνη του. «Για μένα, η εκκλησία είναι μια συνθετική φιγούρα, κάποιος που επιδιώκει να εργαστεί και να διευρύνει τα όρια των ιστορικών αφηγήσεων και των κοινωνικών κατηγοριών του 19ου αιώνα. Νομίζω ότι είναι μια πραγματικά όμορφη κρυπτογράφηση.” Ο Χαρτ προσπαθεί να κάνει τις Ιστορίες ένα σαγηνευτικό και αισθησιακό έργο που ελκύει τον θεατή και εν τέλει υποκινεί συζητήσεις για μια σειρά από πολύ σημαντικές ιδέες.
Μια άλλη ταπισερί με τελείως διαφορετική αίσθηση είναι το “Because” του Αιγύπτιου καλλιτέχνη Ghada Amer, ένα όμορφο κομμάτι σε μια παλέτα από βυσσινί. Το έργο χρησιμοποιεί μια διαδικασία κλωστοϋφαντουργίας που ο Amer λέει ότι έχει αρχαίες ρίζες, που χρονολογείται από την εποχή των Φαραώ και τώρα συνδέεται με την παραγωγή σκηνών για ειδικές περιστάσεις, όπως κηδείες, γάμους και πολιτικές συγκεντρώσεις. Η παραγωγή αυτών των υφασμάτων μειώνεται λόγω φθηνότερων σύγχρονων εναλλακτικών λύσεων και η Amer κλήθηκε να συνεργαστεί μαζί τους στην τέχνη της για να αναζωογονήσει την ετοιμοθάνατη βιομηχανία. «Στην αρχή δεν είχα καθόλου ενδιαφέρον», είπε. «Αλλά μετά είπα, «Εντάξει, θα το δοκιμάσω» και μετά όταν το έκανα σκέφτηκα, «Ω, ουάου», εμπνεύστηκα πραγματικά. Ήμουν έκπληκτος με το τι μπορούσα να κάνω με αυτό».
Η τετράγωνη ταπετσαρία του Amer είναι γεμάτη με αγγλόφωνες λέξεις διαφόρων σχημάτων και μεγεθών, που προέρχονται από μια αυστραλιανή φεμινιστική δήλωση του 1975 που η Amer συνάντησε τυχαία. Αν και γράφτηκε πριν από δεκαετίες, η κριτική στο κείμενο του Amer εξακολουθεί να είναι σύγχρονη. «Όλα έχουν ειπωθεί και πολύ λίγα έχουν γίνει», είπε ο Amer. «Μερικές φορές τα πολύ παλιά αποσπάσματα φαίνονται πολύ μοντέρνα».
Μέρος αυτού που κάνει το έργο να φαίνεται τόσο συναρπαστικό και πρωτότυπο είναι ο τρόπος με τον οποίο ο Amer βασίζεται στις παραδόσεις της καλλιγραφίας για να δημιουργήσει μια μορφή γραπτής αγγλικής γλώσσας που είναι ταυτόχρονα όμορφη, μυστηριώδης και κάπως ανεξήγητη. «Σχεδιάσαμε κάτι με την ίδια αρχή με την αραβική καλλιγραφία – μπορείτε να απλώσετε τις λέξεις και να τις τοποθετήσετε οπουδήποτε. Με αυτόν τον τρόπο, οι λέξεις γίνονται η ίδια η μορφή, γίνονται σαν μια φιγούρα.” Αυτά τα εξαιρετικά στυλιζαρισμένα αγγλικά αμφισβητούν την προσπάθεια του θεατή να τα διαβάσει και αναγκάζει το κοινό να ασχοληθεί με το κείμενο του Επειδή ως λιγότερο από πολιτικό μήνυμα, αλλά μάλλον ως έργο. της τέχνης που ο καθένας θα ερμηνεύσει με τον δικό του τρόπο. «Ήταν λίγο ρίσκο για μένα», είπε ο Amer. «Ήθελα να κάνω κάτι νέο και δούλεψα σε αυτή τη σειρά για τρία χρόνια».
Ο Donald Moffett προσφέρει ένα πολύ πιο αφηρημένο έργο – έναν μακροχρόνιο αγωνιστή για τα δικαιώματα LGBTQ+ με το Act Up. Η τελευταία του τέχνη δεν αφορά τα πολιτικά δικαιώματα, αλλά την υποβάθμιση της βιόσφαιρας της Γης. Στην έκθεση παρουσιάζει το Lot110123, μια ισχυρή προσθήκη στη συνεχιζόμενη σειρά Nature Cult, στην οποία ο καλλιτέχνης αντιμετωπίζει την κλιματική κρίση με μια ποικιλία από εντυπωσιακά και μυστηριώδη έργα. «Το Nature Cult είναι μια συνεχιζόμενη κατηγορία εργασίας. Η όλη χρήση της λέξης «λατρεία» κάνει τις τρίχες να στέκονται στο πίσω μέρος του λαιμού των ανθρώπων. Αλλά ο τρόπος με τον οποίο μιλάω για αυτό είναι: Ας γίνουμε όλοι μαζί στη λατρεία, και τα επτά δισεκατομμύρια από εμάς».
Ο Moffett δημιούργησε το Lot110123 από πολλά κομμάτια του άφθονου παρασυρόμενου ξύλου που ξεβράζεται τακτικά στις παραλίες του Staten Island, όπου ζει. «Το λατρεύω στο Staten Island», μου είπε, «είναι το άσχημο θετό παιδί των πέντε δήμων.» Υπάρχει τόσο πολύ driftwood που μοιάζει με μάννα».
Για να κατασκευάσει το κομμάτι του, ο Moffett χρησιμοποίησε ξυλουργική για να προσαρμόσει το παρασυρόμενο ξύλο μέχρι να εμφανιστεί ως μια ενιαία, όμορφα περίπλοκη μάζα που φυτρώνει απίθανα σπιτάκια πουλιών. Το πιο εντυπωσιακό πράγμα για το Lot110123 είναι οι περίπλοκες υφές του driftwood που επέλεξε ο Moffett για αυτό το κομμάτι και το διακριτικό ultramarine χρώμα. «Έμοιαζε σαν το τέλειο χρώμα γιατί αυτό το ξύλο προέρχεται από τη θάλασσα», είπε. «Αυτό το ultramarine ήταν απλώς πεισματάρικο. Βγαίνει τόσο όμορφα σε αυτό το ξύλο με όλη του την υφή.»
Ο Moffett συνέδεσε τη μετάβασή του μακριά από τη διαμαρτυρία και προς την πιο αφηρημένη δουλειά με τη μετάβασή του μακριά από την πολιτική δράση και προς την ιδιωτικότητα του στούντιο τέχνης. «Τα πράγματα σιγά σιγά ηρεμούσαν και ήρθε η ώρα να αποσυρθούμε στο στούντιο και να επικεντρωθούμε περισσότερο στην ιδιωτική πρακτική της τέχνης. Αυτό συμβαίνει στο στούντιο όταν βλέπεις όλη τη δουλειά του δρόμου».
Η τεχνική αναστροφής του καλλιτέχνη Chakaia Booker και οι ζυγισμένες ισορροπίες είναι υπέροχα απτικά έργα που ο καλλιτέχνης δημιούργησε από επαναχρησιμοποιημένο καουτσούκ. «Για μένα, το καουτσούκ είναι μια πρώτη ύλη όπως η πέτρα, το ξύλο ή ο χάλυβας», εξήγησε. «Μπορεί να χρησιμοποιηθεί αρθρωτά και δημιουργεί μια οικεία και μνημειώδη εμπειρία τόσο για τον θεατή όσο και για μένα. Πιστεύω ότι το καουτσούκ έχει την ικανότητα να ανοίγει διαλόγους για τον καταναλωτισμό, την κινητικότητα, τον περιβαλλοντισμό, τον υλισμό, την τάξη, τη φυλή, τον πολιτισμό και τις κοινωνικοοικονομικές διαφορές. μπόρεσε να αντλήσει από τα υλικά της. «Η κατασκευή γλυπτών με αυτόν τον τρόπο είναι μια σωματικά και ψυχικά απαιτητική διαδικασία. Απαιτεί ολόκληρο το σώμα μου να χειριστεί το υλικό και την πλήρη προσοχή μου για να ενσωματώσω τις λεπτομέρειες στο ευρύτερο σύνολο.»
Τελικά, καθένας από αυτούς τους τέσσερις καλλιτέχνες είχε διαφορετικές απόψεις για το βαθμό στον οποίο η πολιτική και η διαμαρτυρία θα έπρεπε να είναι μέρος του καλλιτεχνικού τους έργου. Για τον Χαρτ, ήταν «ένα ερώτημα με το οποίο κάθε καλλιτέχνης έπρεπε να αντιμετωπίσει», καθώς πίστευε ότι «η πράξη της κατάληψης χώρου είναι μια πολιτική πράξη». Αλλά ο Χαρτ αναγνώρισε επίσης ότι η τέχνη δεν μπορεί να περιοριστεί σε ένα μόνο μήνυμα ή δράση, αλλά ότι η τέχνη έχει να κάνει ουσιαστικά με την έρευνα και την πολυπλοκότητα. Η Booker ένιωσε το ίδιο και μου είπε ότι η διαμαρτυρία δεν ήταν μέρος της καλλιτεχνικής της πρακτικής. «Δεν βλέπω τη δουλειά μου ως διαμαρτυρία, αλλά ως προώθηση ή ενθάρρυνση να δούμε τον κόσμο διαφορετικά.» Η τέχνη στα καλύτερά της πρέπει να μας βοηθήσει να δούμε τον κόσμο ως ικανό να αλλάξει και να εξελιχθεί σε κάτι καλύτερο, δείχνοντάς μας ποιοι είμαστε είμαστε και ποιοι μπορούμε να είμαστε».
Για τον Amer, η τέχνη ήταν να έχει μια εμπειρία που αρχικά είναι σαγηνευτική και αναπτύσσει στρώματα νοήματος με την πάροδο του χρόνου. Είδε αυτό ως σαφή διαφορά από τη διαμαρτυρία, η οποία στοχεύει να μεταφέρει ένα μήνυμα άμεσα και άμεσα. «Θέλω να δημιουργήσω κάτι όμορφο που να φέρνει χαρά, αλλά δεν είμαι εδώ για να εκδηλώσω κάτι. Διαμαρτυρία σημαίνει να σου τραβήξουν κάτι στο πρόσωπό σου. Η τέχνη μου κάνει μια δήλωση, αλλά είναι πολύ αφηρημένη και δεν έχει σκοπό να σου διδάξει τίποτα. Πρέπει να ζεις με κάτι και σιγά σιγά να το καταλάβεις».