Είναι ένα ηλιόλουστο πρωινό στο Μπρίστολ και ελέγχω το βιολογικό ρολόι. Όχι το δικό μου μεταφορικό, αλλά ένα πραγματικό: μια κλεψύδρα σε σχήμα δύο μήτρες, πλήρης με σάλπιγγες. Η άμμος έχει συσσωρευτεί στο έδαφος: ο χρόνος έχει τελειώσει. Το έργο είναι της καλλιτέχνιδας Lea Cetera με έδρα τη Νέα Υόρκη και τιτλοφορείται You Can’t Have It All. Γελάω ειρωνικά.
Αποτελεί μέρος του Acts of Creation: On Art and Motherhood, μιας σημαντικής ομαδικής έκθεσης Hayward Gallery Touring που αυτή τη στιγμή προβάλλεται στην γκαλερί Arnolfini και απευθύνεται σε ένα ιστορικό τυφλό σημείο όσον αφορά τις μητέρες που είναι επίσης καλλιτέχνες . Η επιμέλεια του έγινε από τη συνεργάτιδα του Guardian, Hettie Judah και χρειάστηκαν χρόνια για να ολοκληρωθεί. Από όσο γνωρίζει, υπήρξαν εκπομπές για τη μητρότητα ως καλλιτεχνικό θέμα και εκπομπές για την τέχνη που έγιναν από μητέρες, αλλά καμία δεν διερεύνησε τα δύο αλληλένδετα θέματα: τη μητρότητα ως βιωμένη εμπειρία και τη κινητήρια δύναμη για δημιουργικότητα.
Μεγάλο μέρος της δουλειάς είναι διορατικό. Ο Ιούδας έψαξε αρχεία και συλλογές, ανακαλύπτοντας μερικές φορές ένα έργο που βασίζεται σε μια απλή αναφορά σε ένα βιβλίο ή επιστημονικό περιοδικό. Σηκώνει ένα φύλλο που περιέχει μια επιλογή από σχέδια της Καναδής καλλιτέχνιδας Heather Spears τον Ιανουάριο του 1987 με μολύβι σχετικά με τον τοκετό και τη γέννηση. Συνολικά υπήρχαν εκατοντάδες σχέδια: Ο Spears καθόταν με γυναίκες κατά τη διάρκεια του τοκετού τους και τις σχεδίαζε σε πραγματικό χρόνο. για ώρες, μέρες και εντυπωσιάζουν με τον δυναμισμό και την τρυφερότητά τους. Δεν έχω δει ποτέ μια στέψη μωρού ως καλλιτεχνικό μοτίβο.
Το ίδιο και οι πολλές εγκυμονούσες, θηλάζουσες και γυμνές αυτοπροσωπογραφίες στην έκθεση. Περιμένω ότι οι επισκέπτες, ειδικά οι μητέρες, θα νιώσουν παρόμοια αίσθηση της αποκάλυψης του αόρατου, είτε πρόκειται για το σχέδιο της Ghislaine Howard με κάρβουνο με τις ραγάδες της, το γυμνό της Camille Henrot ή το κοντινό πλάνο της Catherine Elwes με το δικό της στήθος θηλασμού.
Ο πίνακας της Caroline Walker με τα μπουκάλια και τις αντλίες της κουνιάδας της που στεγνώνουν σε μια σανίδα αποστράγγισης ανεβάζει αυτά τα αντικείμενα σε κατάσταση κανονικής νεκρής φύσης. «Υποθέτω ότι μου προκαλούν αρκετά αντικείμενα», μου λέει η Walker, η οποία πρόκειται να ζωγραφίσει τα δικά της θήλαστρα. «Όλα αυτά τα σύνεργα. Δεν είχα πολύ επιτυχημένη εμπειρία θηλασμού με κανένα από τα μωρά μου. Υπάρχουν λοιπόν αναμνήσεις από το να κάθεσαι μόνος στη μέση της νύχτας αντλώντας γάλα. Είναι αντικείμενα που είναι εμποτισμένα με αυτή την ιδιαίτερη στιγμή».
Μετά την άντληση για να θηλάσω το πρόωρο μωρό μου, το να στέκομαι μπροστά σε έναν πίνακα σαν αυτόν είναι μια συναισθηματική και επιβεβαιωτική εμπειρία. Η ζωγραφική βοήθησε τον Walker να απελευθερώσει κάποια από τα συναισθήματά του; «Είμαι πολύ Σκωτσέζος – «συγκεντρώσου και συνέχισε»», λέει. «Αλλά διατήρησα πολύ το αίσθημα της ενοχής, της αποτυχίας και την εμπειρία του να αποκτήσω ένα μικρό μωρό που δεν ήταν ακριβώς αυτό που είχα φανταστεί. Νομίζω ότι η ζωγραφική με βοήθησε γιατί η ζωγραφική είναι κάτι που με κάνει να νιώθω αυτοπεποίθηση. Ανέκτησα τον έλεγχο αυτού του ζητήματος, σε αυτήν την ταυτότητα που αισθάνομαι πολύ πιο σταθερή».
Η μερικές φορές χαρούμενη, μερικές φορές οδυνηρή υποκειμενικότητα πολλών έργων σημαίνει ότι οι επισκέπτες είναι πιθανό να βρουν κάτι που επιβεβαιώνει τη δική τους εμπειρία. Το έργο μεικτών μέσων Θερμοκοιτίδα/Πτήση της Φανής Παραλή θυμίζει την εποχή που ο γιος της βρισκόταν στη μονάδα εντατικής θεραπείας νεογνών. Το εύθραυστο σχέδιό της που τον δείχνει να κάθεται σε μια ατσαλένια κούνια θυμίζει την ευπάθεια ενός πρόωρου μωρού τόσο αποτελεσματικά που δεν μπορώ να μείνω σε αυτό για πολύ.
Στην αίθουσα που είναι αφιερωμένη στην απώλεια του μωρού, τα έργα για προσωπικές εμπειρίες με θεραπείες γονιμότητας, αμβλώσεις και αναγκαστική υιοθεσία είναι βαθιά συγκινητικά. Το “Heartstrings” της Su Richardson περιλαμβάνει μια σαλιάρα και μια κάρτα γενεθλίων που της έδωσε μια φίλη που, ως μαθήτρια το 1967, ήταν έγκυος και έπρεπε να εγκαταλείψει το μωρό της. Η κάρτα γράφει: «1 σήμερα, όπου κι αν είσαι, μαμά».
Ο πυρήνας της έκθεσης – «ο Ναός», όπως τον αποκαλεί ο Ιούδας – έχει φωτεινούς μπλε τοίχους και είναι αφιερωμένος σε ερμηνείες και ανατροπές της Παναγίας και του Παιδιού, με τη μορφή μιας σειράς εκπληκτικών αυτοπροσωπογραφιών. Ο μεγάλος πίνακας της Jai Chuhan, μια γυμνή ως εξαντλημένη μητέρα που ζωγραφίζει τον εαυτό της ως νεότερη, έγκυο γυναίκα ενώ η κόρη της παίζει δίπλα της, δείχνει την ένταση που ενυπάρχει στις διασταυρούμενες ταυτότητες καλλιτέχνη και μητέρας. Ζωγραφίστηκε το 1995 και παρόλο που το Arts Council αγόρασε το έργο εντελώς, η Chuhan μου είπε ότι ήταν επιφυλακτική με αυτό. «Απλώς δεν πίστευα ότι θα υπήρχε ενδιαφέρον για το θέμα», λέει. «Μερικές φορές όταν είσαι και μητέρα [as an artist]«Οι άνθρωποι δεν σε παίρνουν στα σοβαρά».
Η Τσουχάν γνώρισε κάποτε την Τζούντι Σικάγο αφού έδωσε μια διάλεξη στο πανεπιστήμιό της. «Ήταν πραγματικά ενθαρρυντική γιατί είπε: Αν θέλεις να προχωρήσεις, πρέπει να ουρλιάξεις. Εντάξει, είπα. Κι αν έχετε παιδιά; «Ω, όχι, όχι», είπε, «δεν μπορείς να κάνεις παιδιά αν είσαι καλλιτέχνης.» Έτσι είπα, τι θα γινόταν αν είχες μόνο ένα; Είπε, «Ναι, εντάξει, ένα είναι καλά».
Έτσι, το κενό στον κανόνα όπου πρέπει να είναι το έργο των μητέρων καλλιτεχνών δεν είναι απλώς μια ιστορία ανδρών που σβήνουν τις γυναίκες, αλλά ενός διχασμού μέσα στον φεμινισμό. «Φαινόταν πραγματικά επείγον να υπάρξει κάποιο είδος ιστορίας τέχνης της μητρότητας που να την παρουσιάζει ως σημαντικό θέμα για την τέχνη», λέει ο Judah. «Αλλά από την άλλη πλευρά, αυτά τα θέματα έχουν διερευνηθεί από καλλιτέχνες προηγούμενων γενιών, αλλά ακόμη και στη φεμινιστική ιστορία της τέχνης πολλά από αυτά τα έργα δεν έχουν γραφτεί. Η οικιακή συμπεριφορά θεωρήθηκε παγίδα. [Mother artists] πολέμησε ενάντια στις άλλες γυναίκες που έλεγαν «Δεν μπορείς να είσαι καλλιτέχνης».
Πολλοί καλλιτέχνες με ευθύνες φροντίδας χρησιμοποιούν αναπόφευκτα τον χώρο του σπιτιού ως στούντιο, γι’ αυτό ο Judah τοποθέτησε ένα vintage τραπέζι κουζίνας στον εκθεσιακό χώρο αφιερωμένο στη «συντήρηση». Είναι εμπνευσμένο από το Manifesto for Maintenance Art του 1969 του Mierle Laderman Ukeles! Καθορίζει ένα όραμα στο οποίο η τέχνη και οι εργασίες συντήρησης που αποτελούν μεγάλο μέρος της ζωής συγχωνεύονται, οδηγώντας την να εκθέτει τις εργασίες που αναλαμβάνει ως σύγχρονη τέχνη εκτελώντας τις σε ένα μουσείο.
Τόσες πολλές μητέρες καλλιτέχνες έπρεπε να αντιμετωπίσουν τη συγχώνευση της τέχνης και της ζωής, είτε ήταν η Τσουχάν, που δείχνει πώς ζωγράφιζε μαζί με την κόρη της παίζοντας, είτε η Μαρλέν Ντούμα, που συνεργάστηκε με την εξάχρονη κόρη της Ελένα, επιτρέποντάς της να χρωματίζει τις ζωγραφιές της να ολοκληρώσει. Η Μπόμπι Μπέικερ, από την άλλη, έκανε ένα διάλειμμα οκτώ ετών από παραστάσεις και εκθέσεις μετά τη γέννηση των παιδιών της και ένιωσε την ιδιότητά της ως καλλιτέχνη να μειώνεται. Το σημειωματάριό της 1983-84 με χρονομετρημένα σχέδια της οικιακής ζωής είναι αστείο και οδυνηρό. Σε μια χαραγμένη λεζάντα, λέει: «Ποτέ μην στο σπίτι αρκετά νωρίς και πάντα πολύ γκρινιάρα».
Δεν είναι όλα τα έργα από γυναίκες που ήταν πρώτα καλλιτέχνες και μετά μητέρες. Με την Άννα Γρεβενίτη ήταν το αντίστροφο. Η συνεχιζόμενη φωτογραφική της σειρά Regard απεικονίζει τη ζωή με την κόρη της Lulu, η οποία έχει σύνδρομο Down. «Λόγω της κόρης μου και της αναπηρίας της, με εκτόξευσαν σε μια πολύ μοναχική μητρότητα. «Πολλά από τα πράγματα που κάναμε δεν ακολουθούσαν το ίδιο πρόγραμμα με όλα τα άλλα παιδιά», λέει. «Η φωτογραφία έγινε η πηγή θεραπείας μου, ο τρόπος μου να ξαναβρώ τον εαυτό μου. Από τότε που ήμουν μητέρα πλήρους απασχόλησης, τα υποκείμενά μου έγιναν παιδιά μου. Το σπίτι μου έγινε στούντιο μου. Απλώς έπρεπε να εκφραστώ και δεν είχα χρόνο ή χρήματα. Οπότε χρησιμοποίησα ό,τι ήταν διαθέσιμο».
Οι φωτογραφίες της με τη Lulu αποτυπώνουν τις αποχρώσεις μιας οικογενειακής εμπειρίας αναπηρίας όπως δεν έχω ξαναδεί, και όμως η Γρεβενίτη είδε τον εαυτό της ως καλλιτέχνη μόνο όταν έγινε αποδεκτή από το κοινό. Τη ρωτάω γιατί πιστεύει ότι υπήρξε τέτοιο κύμα ενδιαφέροντος για έργα για τη μητρότητα, και το αποδίδει στην άνοδο των απομνημονευμάτων στη λογοτεχνία. «Η τέχνη της απεικόνισης της μητρότητας οδηγεί σε αυτό το κύμα. Το πορτραίτο είναι ουσιαστικά μια αυτοβιογραφία. Και θα αμφιβάλλετε για την ακρίβεια του μηνύματός σας και θα ρωτήσετε: Μου επιτρέπεται καν να το κάνω αυτό; Θα ενδιαφερθεί ο κόσμος; Να το κρατήσω μυστικό;»
Χρειάστηκε πολύς χρόνος για να φτάσουμε σε ένα μέρος όπου αυτές οι καλλιτεχνικές συζητήσεις μπορούν να γίνουν ανοιχτά. «Υπάρχει μια νέα γενιά καλλιτεχνών που έχουν αρχίσει να κάνουν πιο δημόσια την ιδιότητά τους ως μητέρες», λέει η Judah. «Ειλικρινά, αυτό συνέβη μόνο τα τελευταία πέντε χρόνια.» Η Walker συμφωνεί σε γενικές γραμμές, αναπολώντας μια συνάντηση με μια επιμελήτρια μουσείου μετά την έκθεσή της σε μια εμπορική γκαλερί. «Είπε: «Αυτό το έργο δεν θα ήταν ποτέ σε αυτή τη γκαλερί πριν από δέκα χρόνια».
• Acts of Creation: On Art and Motherhood βρίσκεται στο Arnolfini του Μπρίστολ έως τις 26 Μαΐου, στη συνέχεια στο Mac στο Μπέρμιγχαμ (22 Ιουνίου έως 29 Σεπτεμβρίου), στη Millennium Gallery, Σέφιλντ (24 Οκτωβρίου έως 19 Σεπτεμβρίου). Ιανουαρίου) και στο Dundee Contemporary Arts (άνοιξη 2025)